가장 심각하면서 가장 즐겁게.

사진작가 안진균의 최근작 <매달린 남자(Hanged Man)>에는 ‘교수형에 처해지듯(hanged)’ 머리를 위로 하고 발을 아래로 한 채 허공에 떠 있는 남자가 등장한다. 그러나 자세히 보면 남자는 중력을 거슬러 경직된 자세로 놀이기구에 매달려 있다. 거꾸로 매달린 모습을 촬영한 뒤 후반 작업에서 다시 상하를 반전시킨 행위가 남자를 바로 선 것도 거꾸로 매달린 것도 아닌 어딘가 부자연스러운 모습으로 만든 것이다. 카메라의 앞과 뒤에서 대상이자 주체로서 일련의 처형 행위를 자처한 것은 작가 자신이다. 그 의도는 무엇인가.

사진 속 장소는 작가의 집 근처 아파트단지 놀이터 10여 곳이며, 촬영은 모두 가족과 함께 했다. 작가는 스스로 포즈를 취한 뒤 아내에게 셔터를 누르도록 했고, 작가의 아이는 자신의 영역(놀이터)에 침입해 이상한 행동을 하고 있는 아빠에게 말을 걸며 화면에 난입하였다. 사실상 안진균의 사진은 줄곧 가족과 함께 해왔다. 최근 들어 아내와 아이가 간간이 등장했다면, 전작에서는 줄곧 부모님을 주요 인물로 대상화했다. 그리고 대다수 사진에서 작가 본인을 가족들 가운데 위치시켰다. 촬영 장소 역시 부모님의 묏자리와 거실, 지금의 놀이터까지 가족의 생활반경 안에서 이루어졌다. 이렇듯 작가가 자신과 가족 사이의 관계에 집중하는 것은 가족이라는 존재가 편안함과 동시에 부담감을 주는 존재라는 사실에 대한 그의 양가감정을 반영하며, 아버지로 인해 가졌던 가부장제와 유교문화에 대한 반감과 자신이 아버지가 되어 갖게 되는 자조가 교차하는 삶의 역설을 보여준다. 특히 <매달린 남자> 연작에서 작가는 아버지의 권위를 내려놓고 스스로를 희화한다. 장신에 거구를 이끌고 놀이기구를 지탱해 꼿꼿하게 물구나무를 서보려 하지만 성공하기는커녕 우스꽝스러운 모습이 되고 마는 촬영 과정과 이후 보정 과정에서 그러한 모습을 다시 한 번 반전하여 아예 ‘교수형에 처하’고 마는 비유적 표현을 통해서 말이다. 작가 자신이 사진에 등장해 특정한 행동을 하거나 자세를 취하고 그 순간을 포착하는 일련의 연출사진(staged photo) 전통에서 안진균의 사진이 특히 부각되는 지점은 이러한 일관된 주제와 주제를 무겁지 않게 끌어가는 유머러스한 감각에 있을 것이다.

그에 더해 안진균의 사진에서 가장 중요한 부분 중 하나는 사진 안에 사진 매체에 대한 언급이 포함된다는 점이다. <매달린 남자>에서 촬영된 사진의 상하를 반전시킨 작가의 행위는 카메라와 사진의 기본적인 원리를 다시금 일깨운다. 카메라는 작은 구멍(렌즈)을 통해 들어온 빛이 ‘어두운 방(camera obscura)’의 반대편 벽에 상(像)을 비추는 구조이며, 직진하는 빛의 속성상 그 상은 상하좌우가 거꾸로 맺힌 역상(逆像)이다. 그리고 그렇게 카메라 안에 맺힌 음화(negative)의 상을 반전시켜 화면에 고정한 양화(positive)가 바로 우리가 보는 사진인 것이다. <매달린 남자>에서 작가는 힘들게 거꾸로 매달린 자신의 모습을 또 다시 반전시키는 수고를 통해 화면의 혼돈을 불러오고, 그로써 카메라 안에 맺힌 상이 본디 역상이라는 사실과 관객이 현재 보는 사진 속 모습이 카메라 안에 맺힌 본래의 상이라는 사실을 깨닫게 한다. 또한 그것은 가부장의 권위를 희화하는 동시에 카메라의 시선이 지닌 절대적 권력을 무화시키는 의도로 작용한다. 카메라 뒤에서 대상을 포획하는(capture) 주체로서 사진가가 지닌 권력을 다른 이에게 양도하고 스스로 대상이 되는 것에서 한 발 더 나아가, 사진가가 바라본 완결된 상태의 장면을 거꾸로 반전시킴으로써 예상치 못한 우발적 장면을 창출하는 방식으로 말이다.

물론 이러한 모든 과정은 작가의 치밀한 계획에 의한 것이다. 그리고 그러한 치밀함은 사진을 어떻게 보여줄 것인가에 있어서까지 적용된다. 앞서 살펴 본 사진의 내용과 형식의 주요한 측면 외에 이미지의 효과적 제시와 완성된 사진 오브제의 전시 방식에서 작가의 철저한 의도가 드러난다. 작가는 놀이터에서 촬영한 사진을 놀이터에서 전시하기로 한다. 사진을 감상하기 위해 관객들은 주말에 한시적으로 개방되는 유치원 놀이터를 찾아 놀이기구 위로 올라가 몸을 숙이고 작가가 만들어 놓은 가벽 안으로 들어가야만 한다. 뿐만 아니라 가벽에 설치된 각 사진은 일반적인 액자(framing) 방식 – 사진 이미지를 강조하기 위해 가장자리에 백색 종이로 대지(mount)를 두르고 전면에 유리를 댄 후 다시 액자틀을 끼우는 - 이 아닌, 사진 자체의 액자식 구조라는 색다른 방식을 취한다. 작가는 사진의 보정 과정 중 컴퓨터상에서 옷이나 놀이기구 등 각 이미지의 요소로부터 추출한 특정한 색으로 이미지 자체에 넓게 대지를 둘렀다. 그 결과 전시 공간에 어렵게 들어와 사진을 처음 맞닥뜨린 관객은 대지 배색의 높은 비중으로 인해 사진을 전체적으로 색으로 받아들이게 되고, 의도적으로 눈에서 색을 거두고 나서야 본격적으로 이미지에 집중하게 된다. 그러나 대지의 배색은 사진 감상을 방해하기보다 오히려 즐거움을 배가시킨다. 비로소 사진 이미지에 진입하고 나서도 관객은 대지의 배색과 사진 속 여러 요소들을 번갈아 살피면서 계속하여 유희적으로 작품을 감상하게 되기 때문이다. 이렇듯 작가는 촬영 장소, 작업의 소재와 주제, 사진의 형식적 특징은 물론 이미지의 제시방식과 전시 장소까지 철저히 기획해 하나의 맥락으로 꿰고 있다. 그 결과 <매달린 남자>의 다소 무거운 주제와 내용은 가볍고 유머러스한 형식과 새로운 감상 방식을 통해 단순한 사진 이상의 사진으로 제시된다. 가장 심각하면서 가장 즐겁게.

신혜영 | 미술비평

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Most seriously yet most jubilantly.

The latest work by photographer Jinkyun Ahn, , features a man suspended mid-air with his head pointing up and his feet pointing down as if being hanged. But at a closer look, the man is seemingly defying gravity, hanging off of a playground device in a stiff posture. The fact that it is a vertically reversed image of one hanging upside down makes it look somewhat peculiar as he is neither hanging upside down nor standing up. The artist himself insists on becoming both the object in front of, and the principal behind the camera, acting out a series of postures that imply on methods of execution. What are his intentions?

The locations featured in the photographs consist of about 10 playgrounds within the neighborhood of the artist’s current residence, and the shootings were all carried out with his family. The artist had his wife photograph him as he posed for the pictures, and his son burst into the scene to initiate a conversation with his father who was acting strangely in a place that was his own playground. As a matter of fact, Ahn’s family has always been a part of his photography. Whereas recently, his wife and child have been placed in the frames from time to time, the main object of his previous work was his parents. Furthermore, the artist puts himself right at the center of the family in the majority of the photographs. The location of the shoots revolved around the vicinity of his family’s life, from the living room and his parent’s eventual gravesite, to the recent playground, all, within the radius of his family’s life. His focus on his relationship with his family reflects his conflicting emotion towards the family as both a source of comfort as well as pressure, revealing the paradox between his hostility toward the culture of patriarchy which he experienced through his father, and the self-deprecation for being himself a father. In the series, the artist drops his fatherly authority and caricatures himself. He lugs his tall and large-sized body and tries to leverage himself on the playground device to do a rigid headstand, but rather than succeeding he ends up looking ridiculous during the shoot, and through the reversal of the scene in post-production, it ends up with him being metaphorically “hanged”. In the vein of the usual tradition of ‘staged photography’ in which the artist himself is featured in the shoot to take a specific action or pose, what makes Ahn’s work stand out is the consistency of his theme and his sense of humor that lightens his theme.

In addition, one of the most important elements in Ahn’s photographs is that he mentions photography within the photographs. The act of vertically reversing the photograph in reminds us of the basic principles of the camera and photography. A camera is structured to allow light through a small hole(lenses) to illuminate an image on the opposite wall of the dark room (camera obscura) and due to the property of light which travels in a straight line, the illumination is a reversed image where left and right and up and down are inverted. So, a photograph that we see is an imprinted and fixed positive of the camera’s reversed negative. In , the artist goes through the trouble of reversing the image of himself hanging upside down to bring chaos onto the screen, and in doing so, makes the audience realize that the image which appears in the camera is the original reversed image and what the audience is seeing in the picture at present is the actual image captured in the camera. It is also intended to caricaturize the patriarchal authority and to simultaneously neutralize the absolute power of the camera’s gaze. Going a step further than merely becoming the object by transferring the power of the photographer as a principal agent to capture an object from behind the camera to another, he reverses the completed scene to create an unforeseen and inadvertent scene.

Of course the whole process is meticulously planned by the artist. And the meticulousness extends to how the photographs should be displayed. Aside from the contents of the photography and key aspects of the form as examined earlier, the thorough intention of the artist is evident in the effective presentation of the image and in the display method of the completed photo object. The artist decides to exhibit the photographs taken in the playground in a playground. The audiences, in order to view the photographs, must go to the playground which is only open for limited number of hours on weekends, and climb up the playground’s devices and scoot down to enter the exhibition wall built by the artist. Not only that, each of the photographs installed in the exhibition wall takes the unconventional method of the photograph itself containing a framing structure within it rather than using the general framing method of wrapping the mount around the edge with white paper, putting the glass at the front, and retrofitting the frame’s mold to emphasize the photographic image. During the post-production process on his computer, the artist has used particular colors that were extracted from each of the images, such as clothing or playground device, to put around the image as its mount. As a result, the audience, encountering the photographs after having struggled to come into the exhibition space, is able to accept the photographs largely as color thanks to the generous application of the mount color, and is forced to focus on the image in earnest after intent withdrawal of the color from the eyes. However, the arranged color of the mount, rather than obstructing the viewing, multiplies the enjoyment of the experience. Eventually, the viewer is able to examine and alternate between the color of the mount and several elements in the photograph continuously in a playful way. As described, the artist has not only thoroughly planned the location, material and theme, and characteristics of the photographs but also the presentation method of the image and exhibition venue, threading them into a single context. Consequently, through its light and humorous form and its new method of presentation, the rather heavy subject and content of the is presented as more than simple photography. Most seriously, yet most jubilantly.

written by Hehyoung Shin

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